Al día de hoy, aquí en Granada, seguimos con las restricciones perimetrales y toque de queda por la COVID 19 y esto no acaba pronto.

Sacando cuentas de este confinamiento a un año de la pandemia, podemos afirmar que ha sido un proceso duro incluso para aquellos que no han sido contagiados. Solo el hecho de sentir que se ha limitado la movilidad hace que mentalmente nos encerremos aún más. Sin embargo, al transcribir las respuestas de los cuatro autores que colaboraron en Machineri nº3, queda de manifiesto que la creatividad no tiene límites, fronteras ni confinamientos.

Estos obstáculos intensos que se presentan en el camino pueden afectar nuestra energía intelectual, sexual, material, emocional y espiritual la creatividad, sin embargo, si se está atento y en posición de “darse cuenta”, se potencia.

La creatividad es un ejercicio diario desde que te levantas repuntando por la mañana hasta que cierras el día en el descanso. Cada momento de esa jornada está plena de pequeños aspectos creativos que pueden ser intrascendentes, ya sea que elijas levantarte a pies descalzos o calzarte las pantuflas es un acto de decisión que puede afectar el resto del día positiva o negativamente. O puedes llevarlo hacia un acto espiritual, un acto sagrado, como dar el primer paso en el día que comienza.

Así pues, el acto creativo afecta a todas las personas por igual aunque, por supuesto, a los artistas o la gente relacionada a los actos creativos les afectaría de sobremanera debido a una percepción más desarrollada.

Los artistas que publican aquí han liberado su creatividad al máximo y comparten sus experiencias creativas.

Participan en este número:

Las preguntas de esta entrevista fueron:

  1. ¿Qué influencias has tenido y te han inspirado desde tu infancia para dedicarte al dibujo y la ilustración? y qué influencias actualmente dirigen tus pasos?
  2. ¿Cuál/es de estas influencias han potenciado tu estilo?
  3. ¿Cuáles serían las más destacadas y que te acompañan hasta hoy o prefieres la experimentación?
  4. ¿A qué le das más importancia o qué jerarquizas cuando inicias un proyecto artístico?
  5. ¿Cómo consideras o caracterizas tu trabajo: comercial, vanguardista, indie, posmoderno, anti arte, prodemocratización del arte…?
  6. ¿Profundizando un poco más en tu quehacer artístico, cómo defines tu trabajo desde el punto de vista emocional, intelectual, sexual-creativo, material y espiritual?
  7. ¿El concepto base utilizado por Machineri es el caminar, una acción contraproducente respecto a lo que vivimos hoy en confinamiento. De qué manera has enfocado el trabajo para Machineri nº3?

Son preguntas amplias, sin embargo, son un índice para el mundo abierto que muestran estos autores.

Andrés Leyton:

Mi trabajo es algo en permanente transformación

Andrés Leyton. antofagastino (Chile) de nacimiento y español nacionalizado desde hace 20 años, es actor e ilustrador y actualmente vive en La Herradura, Granada.

La infancia de Andrés era la de un lector de cómics de editoriales argentinas, gracias a su abuelo quien se las compraba : El Tony, Fierro, El Víbora, Tótem, Fantasía. Fueron revistas que marcaron el querer dibujar. “Actualmente Moebius es una de mis mayores influencias junto a Quino y mis estudios de Arquitectura en Chile, donde aprendí a valorar lo urbano como contexto,el concepto de caminar la ciudad”.

Las influencias que potenciaron su estilo fueron éstas dos últimas, las cuales, desde el punto de vista del autor, arman universos con sus historias ilustradas. Para Andrés, Moebius creaba universos de fantasía y ficción y Quino se acercaba más a un universo realista y con gran crítica social. “Creo en ello, en dibujar y contar algo con la ilustración. Ambos dos son siempre mis influencias al dibujar”. Comenta también que una fuente de inspiración es el caminar por la ciudad, “es algo que me inspira muchísimo”.

La preferencia en sus diseños de todo tipo como base para dibujar personajes es la experimentación con el collage. Pero dice que siempre ha tenido una tendencia a dibujar ciudades y en ello Le Corbusier y Tadao Ando han sido grandes referentes. Otro autor que le ha dejado una gran impronta en lo estético ha sido Enki Bilal.

Cuando inicia un proyecto artístico comienza con una idea puntual, “pero me fascina ir descubriendo cómo se transforma mientras voy dibujando y ver hacia donde me lleva el proceso creativo”. Con esto, Andrés considera su trabajo como algo en permanente transformación. Conscientemente no lo define de alguna manera puntual, “quizás el tipo de ilustración es muy cartoon y en ciertas series que he creado hay algún tipo de dar cuenta de una situación que observo en lo social, pero no busco con ello dejar una gran huella anti nada”.

Cuando profundiza en su quehacer artístico, concluye que su trabajo se guía por una línea emocional: “es altamente intuitivo mi forma de crear. Hay una idea intelectual que genera un comienzo, pero es la intuición y el dejarme llevar el principal motor de mi trabajo creativo”. Define ese salto creativo como algo desconocido que siente al comenzar un diseño y en el cual siente una gran confianza y muchas ganas de vivir el proceso.

Desde el punto de vista material, el autor cuenta que suele trabajar sobre papel con lápiz de tinta, luego escanea el dibujo y lo colorea en ordenador, usualmente con colores planos. “Espiritualmente, creo que cualquier canal creativo es una conexión con uno mismo muy intensa y obvio, con nuestro entorno y contexto”.

El concepto base utilizado por Machineri es el caminar. Andrés ha enfocado el trabajo de esta manera en sus propias palabras:

“Soy un gran caminante de lo urbano y de cualquier tipo de naturaleza, al mismo tiempo no creo en absoluto en ésta pseudo pandemia que nos ha llevado al confinamiento, por lo cual he caminado desde el primer día de cuarentena todo lo que podido paseando barras de pan por todo el barrio del Albayzín y Sacromonte. Caminar me hace muy feliz y es un gran método que me permite meditar. Por ello,mi propuesta para Machineri nº3 (https://machinerinarrativagrafica.com/project/machineri-03/) habla de la búsqueda de la felicidad al caminar y es Zanni, personaje de la comedia del arte que precede a Arlecchino, alguien muy rebelde, independiente y con mucho humor e ironía, quien camina por dicha ciudad. Me identifico plenamente con este personaje y se que no habría estado confinado al 100%, sino más bien descubriendo una ciudad que se le presenta vacía de gente y que le promete el encuentro con la felicidad en sus calles,esquinas y rincones”.

Web: andresleytonbrutus.wordpress.com

Paloma Leyton

Mi mayor influencia siempre fue mi casa

Paloma es una artista chilena-italiana que ha tenido la suerte de haber sido criada por padres artistas que desde niña le alentaron a dibujar y a encarar las cosas desde un punto de vista creativo. “En vez de televisión, siempre tuve a disposición todo tipo de materiales para crear, espectáculos, libros ilustrados y cómics (desde Quino hasta Enki Bilal) y hasta un muro de mi cuarto donde se podía pintar y dibujar”.

“Mi mayor influencia siempre fue mi casa, y haber podido ver tantos espectáculos
desde el taller y tras las bambalinas”. La artista tuvo la fortuna de poder seguir las giras y los procesos creativos de su padre (Andrés), de viajar y de ser respaldada cuando decidió estudiar Bellas Artes en Granada, España. Desde niña le fascinaron el dibujo y la gráfica, “originalmente tenía el deseo de ser ilustradora”. Hoy en día su trabajo la ha llevado por caminos relacionados con la creación para danza aérea, invención de aparatos inestables, la educación artística y el estudio teórico, que combinó entre trabajos y estudios doctorales.

Sus influencias, en lo que respecta al aspecto gráfico, fue el paso por Bellas Artes,
y el gusto que adquirió por el dibujo a mano alzada, ya sea del natural o de cabeza y el estudio del cuerpo. “Me encanta por ejemplo el trabajo de Moebius (https://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Giraud), Juanjo Guarnido (https://www.akiracomics.com/blog/juanjo-guarnido-un-polifacetico-dibujante), Saul Steinberg (https://saulsteinbergfoundation.org/) o los collages de Max Ernst (https://historia-arte.com/artistas/max-ernst) y los surrealistas en general”. La autora comenta que el estilo de la ilustración presentada en Machineri nº3 (https://machinerinarrativagrafica.com/project/machineri-03/) está muy influenciado por trabajos realizados en laboratorios de gráfica y collage con Seb Jarnot (https://www.sebjarnot.com/) o Jean-Marc Scanreigh (https://www.mchampetier.com/Jean-Marc-Scanreigh-2138-es.html) en la ÉSBAN.

De adolescente le fascinaron las técnicas aéreas del circo, y todo ello hace que hoy su trabajo adopte formatos fluidos para pensar el cuerpo, la gravedad, el sentido de pertenencia social y geográfico. “Diría que la técnica se adapta a la ocasión y me gusta usar recursos diferentes y variar materiales, pero siempre hay un componente aéreo o volátil que se hace visible, ya sea a nivel gráfico o corpóreo”.

Su proyecto artístico se basa en la coherencia entre teoría y práctica, las energías para llevarlo a cabo y la conexión humana entre colaboradoras/es considerándolo como poco comercial y multidisciplinario, “aunque la palabra sea bastante obsoleta (prefiero hablar de dispositivos en vez de disciplinas) sigue siendo útil”.

Profundizando un poco más, agrega que su quehacer artístico es una búsqueda de respuestas. “En sí, mi trabajo órbita en torno al apego y a la pertenencia, investigando el efecto de éstas en una diversidad de aspectos, desde las certezas o los recuerdos hasta la movilidad geográfica, el desarraigo o el efecto de la gravedad en los cuerpos. En mi caso sucede a través del estudio para desarrollar mi trabajo, siempre busco hacer proyectos para seguir formándome porque creo que la teoría y la práctica se complementan, o simplemente porque me gusta estudiar”.

La artista explica el proceso de trabajo para la ilustración en Machineri nº3 de la siguiente manera:

“Precisamente el confinamiento ha sido el puntapié inicial para la ilustración que presento en Machineri 3. Desde hace un tiempo vengo trabajando sobre diferentes modos de visualizar la gravedad y el horizonte. Pero el sentido de caminar como evidencia de nuestra movilidad y como ejercicio de libertad ciudadana se refuerza durante este momento insólito en el que, como sociedad, no podemos movernos por decreto de nuestros gobiernos. Definitivamente encerrarse y no moverse, quedarse en casa, poder caminar sólo después de dos meses y en ciertas franjas horarias redirige nuestra atención a lo extraordinario de un cielo abierto y un horizonte ante los ojos. El horizonte además es un motivo fuertemente simbólico porque resulta del punto de vista del ser humano sobre la tierra, con un punto de
origen y un destino de movilidad. A día de hoy me pareció más pertinente que nunca reflexionar sobre nuestro derecho a caminar”.

Instagram: www.instagram.com/palamalytn/

Katrine Clante

¡He caminado por las calles con un par de «zapatos descalzos» y es una experiencia sensorial rica!

Katrine, dibujante danesa, creció en una familia de ilustradores. Tanto su madre como su abuela se ganaban la vida con la ilustración. “Así que siempre tuve su apoyo cuando quería pasar mi tiempo dibujando”. Comenta que era una niña precavida y tímida y no le resultaban fáciles los juegos y las amistades con otros niños. “Cuando miro mis dibujos de la infancia, reconozco que no sólo tenía una cierta técnica, sino también un sorprendente poder expresivo. ¡Este es el espacio donde podía sentirme libre!”. Más tarde, cuando tuvo que analizar y argumentar cada pequeño punto durante su estudio en la Escuela de Diseño Danesa, considera que aquella técnica la perdió: “todavía estoy en el camino de refinar la confianza y la libertad en mi trabajo”.

Para Katrine, la influencia en su trabajo vendría de todas partes. “Es sólo cuestión de mantener los ojos y la mente abiertos. Reconozco muestras de formas y colores cuando camino por la naturaleza o por las calles de una ciudad, y aún mejor; sigo encontrando indicios de historias. ¿Quién puso esto aquí, y por qué? La fascinación y la maravilla pueden aparecer en todas partes. Sólo puedo decir cuando esto no sucede. Es cuando estoy muy cansada, estresada o deprimida, entonces mis antenas para nuevas ideas, historias y estética no funcionan”.

Sin embargo, mucha de su inspiración llega desde las calles, el street art, “así como cosas casuales o prácticas que nunca se han considerado como arte o comunicación”. Toma como ejemplo el mirar el caótico orden de las instalaciones eléctricas, “puede a veces llenar mi alma más que ir al cine”.

También fuente de inspiración influencia son los libros para niños. “No he ilustrado muchos libros infantiles, y mi hijo ha crecido, pero me encanta leerlos, hay un verdadero tesoro de libros infantiles ilustrados de buena calidad”. Según la autora la riqueza de ideas de estos libros parece infinita porque la forma en que se pueden contar profundamente ideas o dilemas sobre la vida y la muerte de una manera tan simple, sutil y a menudo divertida le asombran. “Algunos de los libros son piezas enteras de arte/artesanía donde la tipografía, la impresión, el papel y la encuadernación es un gran placer. También me fascina el folclore y el arte antiguo, como las pinturas rupestres de España y Francia. La inocencia y el poder de crear simplemente, me conmueve en varios niveles”.

Katrine, como ilustradora,dice que la comunicación es muy importante. Se pregunta: ¿Cuál es la historia que se va a contar? ¿Cuál es el mensaje entre líneas y cuál es el sentimiento que quiero transmitir al espectador? “Quiero ser lo suficientemente clara, no más que necesario, y dejar algo abierto”. La estética es importante para ella, los colores y la composición deben ser satisfactorios para mirar. “Normalmente empiezo con una mezcla de muchas ideas, y luego simplifico la narración, mientras añado detalles a nivel estético”.

La ilustradora considera su trabajo como infantil y poético, “quiero hablarle al niño en todas las edades”. Según ella la sabiduría se encuentra a menudo detrás de lo infantil, lo ingenuo. “El mensaje que quiero ser en todo lo que hago es: no estás solo en el mundo. Quiero tocar, como quiero ser tocado por el arte de otros artistas. Puede ser tanto a nivel intelectual como emocional. El arte está aquí para eliminar la soledad, para comunicar las cosas que no se pueden decir de otra manera”.

El dibujo que ha presentado Katrine para Machineri nº3 se basa en lo siguiente:

“Hay algo fundamentalmente humano en caminar, siento un significado inexplicable cuando mi cuerpo se acelera. No tengo que ir con un perro o con un objetivo específico, es simplemente algo que mi cuerpo quiere. Recientemente obtuve un pequeño pedazo de tierra, pero cuando estoy libre, prefiero ir a cuidar mi jardín. Quizás algunos de nosotros tenemos más genes de personas normativas que de campesinos.

Quería retratar la sensación de caminar en el laberinto de Albayzín y Sacromonte (Barrios de Granada). ¡He caminado por las calles con un par de «zapatos descalzos» y es una experiencia sensorial rica!

Las calles pavimentadas con pequeñas piedras redondas son brillantes tanto a nivel práctico como estético. No se llenan de charcos cuando llueve, y son hermosos e infinitamente variados. Tengo una profunda admiración por las personas que han colocado estas piedras. No se encuentran calles similares en Dinamarca. Espero que los Granadinos sean conscientes de la riqueza especial que tienen y la preservarán. Hay edificios elegantes en todas las ciudades, pero las calles ricamente decoradas deben pisarse incluso por los mendigos más pobres. Gratuito. Las calles son para todos.

Las calles están llenas de historia. Y de historias!

Alguien pasó por aquí ayer y escribió algo en una pared. Otro hombre tenía una fuerte necesidad de comunicar su mensaje, su ira, su esperanza de cambio, su amor. Algunos llaman vandalismo al graffiti. Pero a menudo me conmueven, me hacen pensar, y encuentro que los mensajes en las paredes unen a las personas, y esa es la historia momentánea de la ciudad, así como Granada tiene una gran historia pasada.

Mi dibujo del graffiti de Albayzín es una instantánea del invierno de 2019/2020. El tiempo justo antes de que estallara el Corona Virus, eliminando la vida en las calles.

Los pies anchos con dedos extendidos son un símbolo de libertad para mí. Quizás haya un aspecto feminista en eso también. Recientemente trabajé como sustituto en un hogar de ancianos. Todas las ancianas se habían roto los pies al caminar con elegantes zapatos estrechos, y eso me causó una gran impresión. Estoy seguro de que estaban sufriendo mucho. Las niñas y las mujeres, entonces, usemos nuestra libertad para doblarnos y usar ropa bonita y sentirnos sexy si nos da la gana. Pero si, con el tiempo, nos deja discapacitados y con dolor, entonces no es libertad y fuerza”.

Web: www.katrineclante.dk/

Francisco ArcoA

El caminar de la imaginación infantil

Francisco es dibujante en Granada, España, e ilustrador en una empresa de serigrafía.

Cuenta que desde niño construía su universo con tan solo un papel y un lápiz: “dibujando me hacía sentir grande interiormente, como si me expandiera, en definitiva es lo que he querido plasmar en esta ilustración”. Cuando habla de sus influencias explica que siempre le han inquietado aquellos retratos donde se puede leer y ver el alma de las personas en el dibujo: “me inspiran aquellos artistas que plasman los sentimientos del retratado a través del rostro”.

Agrega que le interesa “la mancha en el rostro, no la perfección del hiperrealismo, sino crear un cierto esfumato donde los dibujos transporten a las fotografías antiguas tratando de crear una imagen que permanezca largo tiempo en el subconsciente del espectador dejando ver la moral y el interior del propio individuo adentrándome en la psicología”.

Es ese caminar el que le ha llevado hacer los dibujos que actualmente realiza.

“Siempre prefiero la experimentación, aunque tenga una línea de trabajo muy marcada, me gusta experimentar con técnicas y materiales nuevos”. Agrega que le encanta la comunicación que hay entre la acción del artista con el papel blanco, porque “Esa acción me sugiere muchísimo, abriendo mi imaginación y despertando por completo mi mundo creativo”. En consecuencia, considera su trabajo como independiente, personal y no carente de experimentación.

Profundizando un poco más en su quehacer artístico, comparte que utiliza manchas a grafito con un rico abanico de grises y sutiles degradados intentando captar la personalidad de una forma directa e inmediata, las cualidades específicas del carácter y la psicología del retratado.

El trabajo que ha presentado para Machineri nº3 tiene una simpleza y una sencillez que embarga. En un gran espacio blanco se centra el dibujo -con línea muy fina- de un niño que va montado en zancos, los cuales son grandes lápices grafito que van dibujando en el suelo, el universo, planetas o constelaciones.

El autor comenta: “Es el caminar de la imaginación infantil. La imaginación es una ventana al mundo interior de los niños, es una de las formas que ellos tienen para expresarse y comunicar todo lo que bulle en su universo emocional y cognitivo. Para mi, la infancia es la etapa más importante del ser humano, ya que el desarrollo emocional de un niño pequeño tiene un impacto directo en su desarrollo general y en el adulto en el que se convertirá”.

Web: www.instagram.com/arcoarealistic/